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  • 「色と脳」のまとめ
    「なぜ脳はアートがわかるのか」(エリック・R・カンデル著 高橋洋訳 青土社)の「第10章 色と脳」をまとめます。「フォルムによって色が決定されないとなると、特定の具象的文脈のもとでは『妥当ではない』ように思われた色が、『実のところ妥当である』と見なされるようになる。というのも色は、特定の物体を表現するためでなく、アーティストの内的なビジョンを伝えるために用いられるようになったからである。さらにフォルムと色の分離は、霊長類の持つ視覚システムの構造や生理的特徴に関する知見、すなわち『フォルム、色、動き、奥行きは大脳皮質で個別に分析される』という知見とも合致する。」冒頭の文章が示す通り、本章では色覚等が脳に作用するところを扱っています。「私たちの脳は、おのおのの色を独自の情動的特徴を持つものとして処理するが、色に対する私たちの反応は、それを見る文脈やそのときの気分に応じて変わってくる。文脈に関係なく情動的な意義を帯びやすい話し言葉とは異なり、色は、トップダウン処理の影響をはるかに受けやすい。そのため同じ色が、人によって、あるいは同じ人でも文脈が異なれば違った意味を帯びうるのである。」次は色と情動に関しての論考になります。「芸術作品に対する情動反応に色彩が及ぼす深甚な効果の生物学的基盤は、視覚システムと他の脳領域の結合にある。」これに関する偏桃体の説明があり、私は次の文章に目が留まりました。「色は物体の重要な構成要素ではあるが、孤立した属性ではなく、明るさ、フォルム、動きなどの他の属性とも不可分に結びついている。その結果色覚は、二つの機能を果たしている。明るさとともに色は、特定の物体が、輪郭づける境界のどちら側に帰属するのかを画策することを支援し、陰影や一群の物体の構成要素をめぐるあいまいさを解消する。かくしてたとえば、色は花束のなかから一本の花を見つけられるようにする。」なるほど、脳の働きが日常生活の中で取捨選択に役立っている状況が分かりました。つまり、「私たちは晴れか曇りか、あるいは明け方か真昼か夕方かなどといった日照条件の違いにもかかわらず、たとえば木の葉を見るときにはいつもそれを緑色の葉として認識している。」ことになるのです。それは「色覚恒常」と呼ばれるものだそうです。次は光に焦点をあてた論考が登場してきます。今回はここまでにします。
    「具象から色の抽象へ」のまとめ
    「なぜ脳はアートがわかるのか」(エリック・R・カンデル著 高橋洋訳 青土社)の「第9章 具象から色の抽象へ」をまとめます。本章では2人の画家が登場します。マーク・ロスコとモーリス・ルイスです。2人の作品に共通しているのは色彩による還元が成されているところです。「高度に単純化され、色彩の深さに焦点を置いた還元主義的な視覚言語と、ロスコがそれを用いて生み出した驚くべき多様さと美は、以後の生涯を通じて彼の作品を特徴づけることになる。ロスコは、その種の還元主義的アプローチを不可欠と考えていた。彼は次のように言う。『ますます私たちの社会は、環境のあらゆる側面を限られた関連づけで包囲するようになってきたが、それを破壊するために、事物の馴染みの側面を粉砕しなければならない』。彼の主張によれば、アーティストは色、抽象、還元を極限まで突き詰めることによってのみ、色やフォルムに対する慣例的な関連づけから鑑賞者を解放して、鑑賞者の脳に新たな思考、関連づけ、関係、そしてそれらに対する情動反応を生み出すイメージを創造することができるのである。」一方、ルイスの表現はこんなふうに書かれていました。「ルイスはアクリル絵具を希釈して、完成品ではない未延伸の大きなカンバスに直接注いだ。そうすることで絵具は自然に垂れ、カンバスの素材に直接染み込んだ。その結果、奥行きの錯覚は生じなくなり、色彩がカンバス表面の必須の構成要素になった。ブラシやスティックを用いずに絵具を垂れるままにまかせるこの技法は、アクション・ペインティングと大きく袂を分かつ。」まとめとして次の文章を引用いたします。「ともに抽象表現主義の分派であるアクション・ペインティングとカラーフィールド・ペインティングは、いずれもフォルムと色の分離を巧みに利用し、線と色を強調するために意図的にフォルムを放棄した。ポロックとデ・クーニングは柔和な外形とあいまいな輪郭を描くことで、脳の持つ限られた注意力をより強くパターンに向けられるようにした。ロスコ、ルイスらカラーフィールド画家は、色そのものを強調することで、さらにはっきりと注意力に焦点を合わせた。~略~具象的要素を欠く抽象画は、具象画とは非常に異なるあり方で脳を活性化させることがあげられる。つまりカラーフィールド・ペインティングは、色に関する関連づけを鑑賞者の脳に引き起こすことで、知覚や情動に影響を及ぼすのだ。」今回はここまでにします。
    週末 中規模作品の制作開始
    現在、来年の個展に向けて新作を作り続けていますが、東京銀座のギャラリーせいほうの空間を考えて、大規模な作品1点、中規模な作品1点、小品数点を考えています。ここ数年は同じような規模で作品を用意していますが、来年も似た状況になる予定です。ただし、今までと異なるコンセプトを考えていて、それが新しい試みになると言えそうです。私は今までの個展で発表した作品は、陶彫を使った集合彫刻の「発掘シリーズ」と木彫を使った集合彫刻の「構築シリーズ」があります。いずれシリーズ化していても独立した表現方法でやっていて、同じものは2つとありません。今日から作り始めた中規模の作品は、以前から作っている大規模の作品と同じ表現方法でやってみようと考えていて、大規模作品と中規模作品に兄弟関係が生まれるようにしていきます。大規模作品は、前からNOTE(ブログ)に書いているように石庭が発想の源にあり、床を這う形態を採ります。今日から始まった中規模作品は、同じ表現で縦に伸びる形態になる予定です。横と縦にした2つの作品が個展会場に並列するわけですが、2つで一つの空間を見せようとは思っていません。2つの作品はそれぞれ異なった題名がついた別々の作品ですが、表現方法を同じにしたというだけです。制作を始めた私としては、そのうち混乱しそうで不安もありますが、会場の統一感は図れるのではないかと思っています。まず中規模作品の最初の陶彫成形をやってみました。今日は工房の中の気温が一転して冬のような温度になり、作業はやりやすくなりました。久しぶりに上着を来て作業をしました。毎回来ている美大受験生も上着を羽織っていました。彼女は通常の高校の授業よりも専門の勉強の方が楽しくなっているようで、専門に関わりのない授業はボンヤリとやり過ごしているのではないかと察しています。その分、予備校で出された課題を工房で夢中でやっていて、表情も生き生きしています。夕方、彼女を家まで車で送って工房を後にしました。
    週末 RECORD撮影日
    今日は1年で1回のRECORD撮影日で、昨年の10月1日から今年の9月30日までの1年間分のRECORDをまとめて撮影しました。RECORDはポストカード大の平面作品を一日1点ずつ制作していて、2007年から始めています。14年間一日も休まず創作を積み重ねてきているわけですが、ここまでやっていると発想が似た作品もあります。最初は気にしていましたが、最近は仕方がないと思うようになりました。私の悪癖で、一日1点とはいうものの下書きが先行して完成していない作品が山積みされていく状況がありました。しっかり描きこんだ下書きであれば、その時のイメージを思い出しやすいのですが、ざっくり描いたものはなかなか思い出せず、苦労して仕上げたこともありました。1年1回の撮影日を設けることで、現在のところ9月30日の分までは全て完成しているので、それが完成挽回の目標になっているのです。今日は朝10時に懇意にしているカメラマン2人がやってきました。RECORDの設置位置と照明を定めて実際の撮影に入りましたが、1年間分の撮影は3時間もかかりました。そのデータをいずれホームページのRECORDの頁にアップしていきます。RECORDは文字通りRECORD(記録)で、一気呵成に出来るものではありません。発想の蓄積が大事な要素です。RECORDは私の性格もあって、日々コンスタントに作り上げていける性格だからこそ遂行できる表現なのです。当然その時の感情の変化やムラも左右していて、全てが成功作品とは言い難いものもあります。スラっと上手くいった時もあれば、粘り強く取り組んだものの気に入らない作品もあります。それもこれも全て自分自身なのです。過去にはどうしても認めたくない作品もあり、撮影後に手を入れて、カメラマンを困らせたこともありました。最近は失敗も肯定的に捉えられるようになりました。自分自身の感覚が緩んだのか、鷹揚に構えられるようになったのか、自分では分かりませんが、時は待たず、兎に角先々を見つめているだけと私は考えるようになったのは事実です。RECORDはまだまだ継続です。いつまで続けられるのか、発想が枯渇するまで挑み続けます。来年もこの時期に撮影が出来るといいなぁと思っています。
    「連盟ニュース」の記事より
    私は(一社)日本美術家連盟の彫刻部に所属しています。師匠の池田宗弘先生が同連盟理事だった頃に、私を推薦してくれて彫刻部に入ることができました。公募団体に入っていない私は、美術界の動向をこの連盟から出されている機関紙「連盟ニュース」によって得ているのです。私は郵送されてくる「連盟ニュース」を毎回楽しみにしていて、私が美術を学び始めた学生時代に活躍をしていた作家の方々の近況を知ることにも興味関心があります。今回送られてきた「連盟ニュース」10月号に彫刻家速水史朗氏の特集が組まれていて、自分のことを振り返る契機になりました。私は速水氏とは面識がありませんが、私が学生だった40年以上も前から速水氏は東京銀座のギャラリーせいほうで個展をやっていました。私は当時個展をやっていた池田先生の手伝いをしていて、ギャラリーせいほうに足を踏み入れました。そこで陶彫の世界を知ることになりました。辻晋堂と速水史朗、この2人に私は陶彫の可能性を教えていただいたと言っても過言ではありません。インタビュー記事によると「僕は『粘土がすごく綺麗だな』と思ったんです。『そのまま残すにはどうしたらいいか?そうだ焼こう』そう思いました。昔は粘土は彫刻家にとっては彫刻をつくるある過程の途中であり作品ではないという時代でした。でも『こんなに立派な素材は作品にしないといけない』と考えました。」私は速水氏の考え方に共感を覚えます。「やっぱり自分のやっている仕事というのは生活の一部であると。僕が生きている生活の一部にこういう仕事がある。だから別のものではないのだと。自分が生きている証だということかな。」速水氏は90歳を超えて今年もギャラリーせいほうで個展を開催されます。速水氏は生まれ故郷の香川県では、若い頃に理科の教師をされ、美術科教師に転向されたと聞き及んでいます。専門は美術学校出身ではないところから現代彫刻に辿り着き、陶彫から石彫のモニュメントまで幅広く制作している速水氏のパワーを私も見習いたいと思っています。