Yutaka Aihara.com相原裕ウェブギャラリー

「芸術家列伝３」（ジョルジョ・ヴァザーリ著 田中英道・森雅彦訳）を読み終えました。とりわけ「芸術家列伝３」はレオナルド・ダ・ヴィンチとミケランジェロの二大巨匠のみを取り上げており、その中でもヴァザーリと密接に関わったミケランジェロの記述が圧倒的な頁数を占めていました。本書の最後には翻訳者である田中英道氏によるヴァザーリ論がありました。「ヴァザーリは絵画と美術家をどのように、人間の精神の表現ー美術史として見ていたのか。まずそれは文学とも思想とも異なる、線、形、色彩、という視覚的な表現の自立性を見ることであった。決して画家の生涯を、文学的にたどれば、画家伝となるという『列伝体』の著述のことではない。それは彼が言う、『ディゼーニョ』（普遍性・全体性）の見方のことである。ほとんど、このデッサンの良し悪しで、芸術家の才能、価値が決まってくる、という美術批評の原点のことである。見るものもその線の質そのものを見分ける眼がなければ、美術史などは成り立たない。それは絵画・彫刻・建築の基本となるものであった。彼は『ディゼーニョ』を、単に技術的な腕前である以上に、精神的領域にある表現であり、その芸術家の形而上学的原理に基づいている、と見ていた。つまり美術の本質そのものとして、である。」ここでミケランジェロの制作について、ヴァザーリがどの程度理解していたかに話が及びます。「周知のことだが、１９８０年から９３年にかけて、システィーナ礼拝堂のミケランジェロのフレスコ天井画が、ここ５００年ではじめて大がかりに修復、洗浄された。日本の放送会社が資金を出して行われたこともあって、私たち日本人研究者グループが、その調査を行うことができた。」そこでヴァザーリの著作との内容的な矛盾が発見されています。またダ・ヴィンチの「モナ・リザ」についてもこんな記述がありました。「確かに、レオナルドが、この肖像画をフィレンツェで描いているとき、まだヴァザーリは生まれていなかったし（１５１１年生まれ）、その図は、レオナルドがフランスにまで持って行って１５１９年に死亡した後は、ずっとフランスにあったから、そこまで旅しない限り、見ることは出来なかったのである。従って、この記述は、すべて想像か、または何らかのコピー図を見て書いたか、どちらかである。」そこで「芸術家列伝」についての記述です。「『近代』になって、視覚芸術に関する、文字で書かれた記録の研究が発達し、それが他の考察を駆逐し始めたのである。そこに文字による記録が、絵画の視覚的証拠よりも確実に見える、という事態が現出し、知識人たち、美術史家たちが、それに固執してしまう、と言ってよい。つまり視覚的史料は言葉ほど確実ではない、という『近代』の『科学的？』証拠主義の結果と言えるだろう。それほどヴァザーリの記述は、イタリア美術に対して、第一次史料になってしまったのである。」

「芸術家列伝３」（ジョルジョ・ヴァザーリ著 田中英道・森雅彦訳）の「ミケランジェロ」について、幾つかに分けて気に留まった箇所をピックアップしていきます。本書はこれが最後になります。「フィレンツェ時の１５６３年２月１７日２３時ーローマ時の１５６４年ー彼はよりよき生へ旅立つべく、息をひきとった。ミケランジェロは芸術の仕事に専念し、いかに困難なものであれすべてを成しとげるのであった。そして自然そのものから、かの造形力のこの上なく卓越した天分に十分かなった技量を得ていた。さらに完璧であろうとして、たえまなく解剖学を学び、骨、筋肉、腱、血管の原理やその結合や、人体の多様な動きを仕草を見出すために、人間の皮を剥いだりした。しかもたんに人間ばかりではなく、動物、殊に彼が好んで飼っていた馬を解剖した。あらゆるものについて、芸術に関わるかぎりはその原理や法則を見出そうとしていたのである。そしてそれを自分の手になる作品で示してみせたので、解剖を専門とする者は何もすることがないほどであった。～略～ミケランジェロが芸術に憑かれる者の常として、孤独を愛したことはだれにも珍しくはうつるまい。芸術はただひとりで思索にふける人間を要求するのである。それで芸術研究に専心しようとする者は、仲間付き合いを避ける必要がある。それらを空想とか異様と考える人は間違っている。よい仕事をしようとする人はあらゆる心配事や煩わしさから遠ざかっている必要があるし、天分は思慮、孤独、快適さを要求するもので、心に過ちがあっては困るからである。とはいえ、それをわきまえつつ、都合のよいときには、彼は多くの偉大な人、学者、才能のある人と交わった。～略～若い頃には仕事に熱心なあまり、わずかのパンと葡萄酒で生活していた。また年老いてからもそれを続けており、礼拝堂の審判図を描いた頃までは、その日の仕事を終えてから、晩にほんのわずかの休息をとった。彼は豊かではあったが、貧しい者のように生活し、どんな友人も彼とは稀にしか食卓を共にしたことがなかった。また彼は、人が何か贈ってくれればその人にいつも恩義を感じるので、逆にだれからの贈物をも望まなかった。こういった質素さが彼をきわめて用心深くさせ、ほとんど眠らないようにもさせたのである。眠れないことがよくあり、夜に起き出して鑿で仕事をしたりした。」ミケランジェロの創作生活を描いた箇所に私は興味津々でした。本章の残りの部分は巨匠に見合った葬儀が何頁にもわたって書かれており、後世に残る存在の大きさが示されていました。

日曜日になりました。日曜日は創作活動についてＮＯＴＥ（ブログ）を書いています。先日見に行った「髙島野十郎展」は、生涯を通じて精緻な写実絵画を描いていた一徹な画家の作品を通じ、写実とは何かを自分に問いかける機会を持ちました。私も高校生の頃から写実表現を学んできました。それは美術系の大学における受験用デッサンを始めたことが契機になりました。見た通りに描くことが大変な困難を伴うことを、その頃は身に沁みて感じましたが、大学に入ってからも師匠から空間に粘土でデッサンをするように彫塑をすることを教えられ、私が写実を究めたいと望む期間が１０年近くも経っていました。海外の美術学校でもそれは継続し、それが完遂できないまま、私は写実表現そのものに疑問を抱くようになりました。日本で習った師匠も具象彫刻ではあるけれど、写実描写を取捨し、量感を削り取ったところにあるリアルを追求していました。海外の作品でも写実を超えたリアルを感じるものがあり、それは一体何なのか、多種多様な表現が齎す存在感を私は見つめ続けてきました。２０世紀に写真術が発明されてから、絵画は写実という説明要素から解放されましたが、それでも人が眼で見てその事象を描き切る写実表現はそれなりに残ってきました。表面を写し取る映像とは違う奥深さを追求する絵画表現は、私たちの心に迫るものであり、それは「髙島野十郎展」で感じた趣向そのものでした。そこに作家自身が達成感と満足を覚えれば写実表現でも続けられるものを、私は写実ではないものを考えるようになり、しかも物語性をも排除してしまいました。ものはモノであるという、物質に対する始原的な考え方に立脚すると、実際の空間に広がりを感じるようになり、人が芸術とは別の目的で建造したモノや地下に掘り込んだモノに面白みを感じてしまったのでした。それは写実表現ではないと思いますが、抽象表現と呼ぶのには些か躊躇します。ともあれ、写実表現ではない方向に舵を切った私は、それに代わる存在を求めて作品化を図っているのです。

週末になりました。定番として土曜日は今週の振り返りを行ないます。今週も相変わらず毎日工房に出かけて行って、陶彫制作に精を出していました。猛暑も相変わらずでしたが、その気候にも身体が慣れてきて、汗を滴らせながら陶土に向かい合っていました。先月から一日も休まず制作を続けているため、疲労が蓄積しているような気がして、何か身体に大きな異変が生じる前に休息を取ろうと思っていました。木曜日は家内も演奏活動がなく、一緒に休めることが分かったので、やや遠方の美術館へ行ってみようと計画を立てました。千葉県立美術館で開催している「髙島野十郎展」は誠実な写実絵画が見られるとあって、そこに行くことが楽しみになっていました。美術館では写実表現について、あれこれ考えることがあり、私には充実した時間がありました。髙島ワールドに触れて心の平穏を保つことができ、満足を覚えました。夕方になって私たちはゆっくり横浜に帰ることにしました。その帰り道に天候急変があり、首都高速を走る私たちが冠水した道路をすり抜けていく危機に陥りました。３車線あった道路が規制されて渋滞が発生し、おまけに水をかき分けて走っていた時は、ここで立ち往生したらどうしようという思いが頭を巡りました。大井南から羽田空港にかけては内心ヒヤヒヤしていました。実際にテレビ報道で見る光景にリアルに遭遇したらこんな感じなのかと思いながら、スマホの情報を頼りに車を走らせていました。今週は何と言ってもゲリラ豪雨に遭遇したことがインパクトが強くて、これはどんなに予防をはろうが、その場での危機管理の判断を強いられるのだろうと思います。日本は災害大国で、こうしたことに地球温暖化の影響を受けるのでしょう。首都高速の路肩を道路公団の車がパトロールをしていて、その対応の素早さも目に入りました。冠水箇所で働いていた人たちに感謝をしながら、私たちはその場を一刻も早く過ぎ去りました。

昨日、千葉県立美術館で開催している「髙島野十郎展」に行ってきました。以前に蠟燭の炎を描いた作品を私は見たことがありましたが、まとまった作品を見たのは初めてでした。画面の隅から隅まで丹念に精緻な写実で描かれた風景や静物や人物像などに、作家の世相に左右されない硬派な性格を感じ取りました。写実表現の宿命ですが、技術の巧みさに驚いていたにも関わらず、見慣れるとその不変のスタンスに印象が薄くなってしまう事実もあります。しかしながら、こうまでして写実に打ち込めたのは作家が仏教思想に共感していたことに関係があるのかもしれません。その数多い作品群の中でも、私にとっては月や蝋燭を描いたものが写実の奥に潜む思索が読み取れて、興味が湧きました。その背景を知りたいために図録を求め、そこに記載されていたことに注目しました。「野十郎はとくに晩年において月の作品を手掛けたが、最初は月夜の風景を描いていたのが、次第に絵から風景が捨象され、最後には本作《月》のように闇に浮かぶ満月という究極の表現に至った。月を盛んに描いたのには、仏教的な関心があったことは間違いない。野十郎によると、月は観音様の生まれ出る穴だという。円相を想起させる、余計な要素が一切含まれない満月の絵は、『慈悲』をめぐる野十郎の仏教的な思惟の最終形態であったと思われる。～略～『蝋燭』は、野十郎芸術を最も象徴する作品であり、生涯飽くことなく描き続けられたものでありながら、個展などでは決して発表されず、お世話になった人や友人に贈られていたという。蝋燭自体が仏教的な意味合いのある主題であるが、それを贈るという行為が、仏教でいうところの献灯の儀を想起させる。決して消えることのない永遠の炎を描きたかったのか、あるいは炎が消える最後の瞬間を描いたのか、想像は尽きない。」（高山百合著）写実表現は眼に見える事物を巧みに描くだけで、一般の人から見れば分かり易いし、また評価もされるのですが、難しいところはその表現の背景に思索的なものがあるかどうかで、作品が印象に残るかどうかが決まるように思います。本展では月と蝋燭がその深遠さで際立っていたように思います。