Yutaka Aihara.com相原裕ウェブギャラリー

東京両国にある「すみだ北斎美術館」は、葛飾北斎のあらゆるジャンルの作品を集めていて、北斎ファンならずとも一見の価値がある美術館です。建築は近未来的な装いがあり、またＩＣＴ活用により楽しく北斎ワールドを堪能できるようになっています。北斎と言えば長寿を全うした画家として有名ですが、私が何より注目しているのは傘寿、つまり８０代に描かれた作品の表現力の凄さです。寛永２年の春に９０歳で世を去った北斎でしたが、「天我をして十年の命を長ふせしめば」さらに「天我をして五年の命を保たしめば、真正の画工となるを得べし」と死ぬ間際に語ったそうです。あと寿命が１０年あれば、いや５年あれば本当の画家になれるのに、という意味です。画工への道半ばという意識があればこそ、傘寿に描いた「南瓜花群虫図」（８４歳制作）「朱描鍾馗図」（８７歳制作）「柳に燕図」（８８歳制作）に見られる卓抜した観察眼と和漢洋の技法を巧みに操った凄まじい表現力が表出しているのも納得できます。言うなれば、北斎の傘寿を晩年と呼ぶには、あまりにも強烈な作品群があって躊躇されるところです。私事になって恐縮ですが、私は６０歳になって彫刻のことが少し分かってきたように思えています。２０歳で彫刻の手ほどきを受けて４０年が経ち、紆余曲折があっても東京銀座で個展開催も１１回目を数えています。それでも本当に彫刻家と言えるのか自問自答するところですが、彫刻家になりきれていない自分を自覚する度、真の立体芸術を掴むのはまだまだ先のことと感じます。今が折り返し地点かなぁと何の衒いもなく思っています。北斎に倣うのは烏滸がましいのですが、あと３０年自分に寿命が許されれば、きっと納得がいく彫刻ができると信じているのです。

先日、東京両国にある「すみだ北斎美術館」に行ってきました。目的はＴＶで放映された「須佐之男命厄神退治之図」の復元された絵をこの眼で見たかったことでしたが、美術館が企画した「北斎の帰還」展にも眼が奪われました。帰還とはどういう意味かと言えば、百年余りも行方不明になっていた幻の絵巻「隅田川両岸景色図巻」が再発見され、海外から日本へ里帰りをしたこと。もうひとつは世界に散逸した北斎の名画の数々が、北斎生誕の地に再び集められ、北斎専門の美術館で展示されたこと、この二つが帰還としての意味を表しているのです。私が印象深かったのは「隅田川両岸景色図巻」で、陰影に西洋画の技法を取り入れていて、錦絵とは違う写実性に富んだ絵画をじっくり味わえたことでした。図録によると「本絵巻は、両国橋から大川橋（現在の吾妻橋）、山谷掘、木母寺辺りまでの隅田川両岸の風景と、新吉原における遊興の様子を描いた６３９.９㎝に及ぶ北斎の肉筆画に、画中に登場する名所を読み込んだ横幅７６.１㎝の江戸後期の戯作者、烏亭焉馬の狂文が付されている。」とありました。さらに「隅田川の水面に橋や船、岸辺の影がうつる様子が丁寧に描き入れられている点などは、西洋画法の研究を重ね、洋風風景版画も多く制作している北斎の研鑽の結果といえよう。」（奥田敦子 著）と内容を表す文章に、北斎の卓抜した画力を知ることができます。実に精緻で雄大な絵巻だろうと自分も溜息が出ました。遊郭に集う人々の様子もよく分かり、風俗を知る上でも最高の資料になると思いました。日本が世界に誇る葛飾北斎。その専門美術館が今まで無かったことが不思議です。北斎をもう一度堪能するなら東京両国の「すみだ北斎美術館」に再び足を運ぼうと思います。

根津美術館で開催されている「円山応挙展」に、応挙のエスキースと言うべき写生の原本が出品されています。応挙の完成度の高い写実的な絵画は、写生の原本に見られるような研鑽と修練によって到達した境地と言えます。私は完成した作品と併せて、その資料や下図となったメモを見るのが大好きで、そこには創作の秘密が隠されているからです。筆の運びや抑揚、色彩の濃淡、形態の把握、いずれをとっても真摯な学習姿勢が見られて、私自身も意欲を掻き立てられました。図録にこんな説明がありました。「『写生雑録帖』は、応挙が日頃携えて写生し、あるいはメモを取った、唯一残る原本と思われる。～略～実物写生を行うことにより、奥行、立体感、距離感、存在感等に現実味を付与しようとしたと考えられる。そこから生じる実在感のある応挙の絵が当時の人々に歓迎されたのである。」（木村重圭 著）今回の展覧会には「写生雑録帖」と「写生図巻」があって、余白を埋め尽くすスケッチの数々に、私は眼を凝らしてじっと見つめていました。「写生雑録帖」では、プロポーションの寸法をメモしたものや視点を変えて複数個描いたものがあって、対象を前に気軽ながら真剣に向き合う応挙の姿勢が見て取れました。「写生図巻」は部分を綿密に描いたものが多く、葉の捲れ方や枯れた状態や花と茎の関係を描いたもの等、観察の方法を示す手本になりそうな例が多くありました。カタチを徹底的に描写把握しているからこそ省略もありうる、ということを改めて感じました。

先日、東京青山の表参道にある根津美術館で開催中の「円山応挙展」に行ってきました。江戸時代に活躍した写生派の絵師円山応挙は、自分には思い入れの深い画家で、それまでの格式高い絢爛たる狩野派の絵師に比べると、作風に時代の新しさを感じさせるため、学生時代から各美術館に所蔵された応挙の作品に注目していました。ちょうど私は素描を習い始めた頃だったので、応挙の「写生雑録帖」に見られる対象の把握に驚嘆していました。図録によると「『雨月物語』の作者として知られる上田秋成が、早く応挙に関連して『写生』という言葉を使っているように、応挙という画家を歴史的に把握する際に『写生』の概念を抜きにしてはできない。～略～応挙は、時間をおいてよく似た作品をいくつも制作する一方で、ある時には一見異なる画風を共存させ、また時として突出して新奇な技法を披露する。段階的な画風展開でとらえるのが難しい画家なのであるが、それにも理由があるはずだ。気韻生動への渇望、それこそが応挙の写生画を更新し続けたのではないだろうか。」（野口剛 著）とありました。また「神仏、仙人、肖像、和漢の人物画、山水、風景、花木、鳥獣魚など。画面も色絵、扇面の小品から、掛物、衝立、屏風、襖、絵馬等、これもほぼすべてに描いている。画家は今日と違い、依頼を受けて描くものであるから、求められれば何でも描かなくてはならなかった。大きさもである。ほぼすべての画題を描いているということは、それだけ注文が多かったことを意味しているのである。～略～そんな応挙であるが、生涯、作品の出来に余りムラがないのも、画家として特異な存在といえよう。作品の大小、粗密はあっても、いわゆる手抜きと感じられるものは極めて少ない。無いというと言い過ぎか。それだけ応挙は真面目な人であったと見ている。」（木村重圭 著）ともあって、応挙その人を捉えた箇所は興味津々です。草一本描く時の、何でもない一筆が周囲の空気までも感じさせ、平面上に空間芸術を創出する凄さに自分はただ見とれるばかりでした。

以前のＮＯＴＥ（ブログ）に、素材との対話が何を意味しているのか書いた記憶があります。制作に集中した状態が続き、疲れも何も感じなくなり、周囲の状況も見えなくなる高揚気分を、素材との対話という表現で自分は言い表しています。心中穏やかでなかったり、気がかりなことがあったり、意欲が伴わなかったり、腰が引けている時は、そうした素材との対話はやってくることはありません。精神の安定と意志の強さがないとその気分にはならないのです。自分の眼は、自分の手になり、素材だけを捉えて無我夢中で何かを探っている状態です。前後の見境がなくなるので、時間も空間もそこには存在しません。今日はそんな素材との対話が続きました。朝からいつものように工房に篭って制作を開始しました。今日も大学院生が一緒で、締め切りの迫った切羽詰った彼女の横顔を見ていると、自分も気合が入りました。私にとって素材は陶土です。自宅にいる時は手の皸（あかぎれ）が気になっていましたが、工房では身体を省みることはなく、陶土以外は眼に入らなくなっていました。タタラや紐作りで大きな陶彫部品を成形し、柱陶の彫り込み加飾を行っていました。昨日は乾燥した陶彫部品に仕上げや化粧掛けを施し、窯に入れたり、制作工程の確認をしたりして過ごしましたが、今日は陶土に立ち向かうだけの一日だったので、そのような精神状態になったのだと思います。工房での７時間弱は我を忘れて成形に没頭しました。夕方、我に返った時に肩や腰が痛んでいて車の運転がやっとでした。大学院生を車で送った後、自宅で動けなくなりました。心も身体も緩急があって当然ですが、今日は極端な一日だったようで、明日からの勤務に影響するのではないかと心配しているところです。