Yutaka Aihara.com相原裕ウェブギャラリー

「中空の彫刻」（廣田治子著 三元社）の第一部「１９世紀における『画家＝彫刻家』と『芸術家＝職人』の登場」の第１章「画家と彫刻家」の「３ 絵画、彫刻の自律性の追究」についてのまとめを行います。ここで３人の芸術家が登場いたします。まず画家のエドガー・ドガです。「実はドガはミケランジェロと同じように、彫刻がより多くの労苦を必要とするゆえに、彫刻の方が『高貴』であると思っていたかもしれなかったし、また『彫刻が絵画を照らす灯火』であると思っていたかもしれなかった。彫刻は彼の絵画にとって重要な支柱であり、また彼において彫刻と絵画は、まさしく『連携』するべきと考えられていたのである。」ドガはバレリーナを描いた代表作で画家として盤石な芸術家になりましたが、またドガは優れた彫塑家でもあり、ドガの抜群の素描力はそんなところにあるのではないかと思います。次は彫刻家ライナー・マリア・リルケです。「正面性を排除し、彫刻を『物』として、『オブジェ』として扱うことによってリルケがここで行っていることは、その芸術としての価値は、彫刻が表現する物語的意味ではなく、その空間芸術としての価値のみに基づくという、自律性の主張であった。」現代まで続く彫刻観がここにあります。最後に本書の主役となるポール・ゴーギャンが出てきます。「彼は実際、絵画の他、陶器、木彫、版画を試みたが、それらを自らの絵画における追究のために行ったのではなかった。ここに、その絵画のために彫刻を行ったドガとの根本的な違いがある。彼はこれらの表現媒体に、各々の特性を見いだし、それを生かした表現を模索した。」本書ではゴーギャンの友人に宛てた手紙を掲載し、次のように述べています。「『自然を見て行う』のは易しいが、『形を見つけ出そうとするのはとても難しい』という言葉によって、彫刻が自然の模倣ではなく、新しい形の創造であることが示され、自然主義ではなく、すなわち視覚的イリュージョニスムを排して不可視の世界を暗示する芸術が説かれている。～略～ゴーギャンの彫刻概念とはすなわち、絵画の平面性を適用しながら三次元芸術を創造することであり、ギリシャ的イリュージョニスムの伝統から脱した彫刻の創造であった。ゴーギャンは、表面上での表現を前提とし、中核から発する力によって支えられたものではない新しい彫刻を主張した。それはまさしく『中空の彫刻』であった。」本書のタイトルとなる言葉が登場してきました。今回はここまでにします。

今日も昨日に続き、朝から夕方まで工房に篭りました。現在やっている新作に関する作業は厚板材を使った木材加工と陶彫制作です。一日のうち木と陶の双方の技法をやっていましたが、厚板材の切断では木屑や木の埃が舞い上がり、陶彫の仕上げや化粧掛けでは陶土の埃が舞い上がりました。埃っぽい中で行なう作業は、コロナ渦でなくでもマスクが必要でした。マスクは店で大量に売られている簡易なマスクをしていましたが、嘗てヨーロッパで石彫を手伝っていた頃は、日本から防塵マスクを取り寄せていました。左右にフィルターが分かれた形をしていて、毒ガス用マスクのようでしたが、ヨーロッパの人たちからそれはどうしたのか、どこで売っているのかを聞かれたこともありました。今もゴム製の頑丈なマスクが工房のどこかで眠っていると思います。美大の工房に行くと粉塵を吸い込む装置が備わっていて、羨ましい限りですが、個人の工房ではそうもいかず、作業台や床を掃除機で吸い取るのが関の山です。厚板材で土台作りをやっているうちに、陶彫部品はどれも乾燥が進み、ほとんどの作品を窯に入れることができると判断しました。窯の容量を考えると、窯に入れられるのは大小ひとつずつで、とりあえず今日は大きな作品を２つ、小さな作品を２つ仕上げて、化粧掛けを施しました。まず大小で組み合わせ、窯に入れました。１週間の途中で窯の出し入れを行い、週に２回の焼成を行おうと思っています。前にもＮＯＴＥ（ブログ）に書きましたが、陶彫制作で一番面白いのは焼成です。焼成前と焼成後では作品の雰囲気がまるで異なります。陶土が石化して独特な空気を纏いながら私の目の前に現れます。その瞬間が私は大好きなのです。勿論絶望を味わうこともありますが、それも最近は許せるようになりました。今日は美大受験生が朝から工房に来ていました。先週の美大の卒業制作展の印象を話し合いながら、彼女は鉛筆デッサンに精を出していました。夕方、受験生を車で家まで送り届けてきました。また次回頑張ろうと思います。

先週末は美術館に行ったり、美大の卒業制作展に出かけてしまったので、制作工程が遅れ気味になってしまいました。週末になって制作ばかりしていると精神的に辛くなるので、先週末のような刺激も必要と思ったため、制作工程に遅れが生じるのは想定内のことです。今日は久しぶりに一日中工房に篭って制作をしていました。現在は新作の土台になる木材加工をやっています。厚板材を鋭角な二等辺三角形に切断し、それに高さをつけるため箱型にしているのです。全部でそれらを２０点作るので時間がかかっています。今日は前回の続きとして電動ノコギリを使って、厚板材を８ｃｍの帯状に切断していました。木屑や埃が舞い上がり、作業をしている周辺は煙ってしまいました。コロナ渦で部屋の換気をするのが通常になっていますが、それとは別に木の埃で窓を開け放たなければならず、冬の冷気の中で身体が悴むようでした。いつものようにストーブで手を温めながら作業をしていました。実材を扱う彫刻表現は、時として厳しい環境で制作することもあります。若い頃はまるで気にならなかった制作環境が、結構辛いと感じるようになったのは最近のことです。それでも身体を動かして実材と向かいあっていると元気が出てくるのが何とも不思議で、彫刻家気質と言うものがあれば、きっとこういうものなのかもしれません。私は集合彫刻をやっているので、少しずつ部品が出来上がっていきますが、それを確認するのも楽しみの一つです。コツコツ部品が出来上がっていくのは私の生真面目な性格に合っていると思っています。制作時間もその日の気分によって変化することはありません。ウィークディの勤務時間と同じように自分で決めてやっているのです。まさに工房に出勤している感覚です。週末だからといって寝坊することはありません。同じ時間に目が覚めて、職場に行くのか工房に行くのかの違いだけです。もちろん仕事内容はまったく異なります。職場は組織があり、工房は私一人です。明日も木材加工を一人でやっていきます。

一日１点ずつポストカード大の平面作品を作り続けて、かれこれ１４年が経過しました。１年を３６５日として計算すると、現在ＲＥＣＯＲＤは５０００点を超える作品数になっています。ＲＥＣＯＲＤは、私が毎年個展で発表している陶彫による集合彫刻に匹敵する表現媒体になっているように思えます。月毎にケースに入れて工房の棚で保管していますが、そこに乾燥剤も入れています。作品のほとんどが油性ペンとアクリルガッシュによるものですが、初期の頃は薄板を使った半立体の作品やコラージュした作品もあります。テーマとしては、年間テーマを設けて月毎に決めて５日で展開できるようにやっています。５０００点もあれば似た表現が現れてしまう嫌いもあります。今のところ年代を追って整理していて、随時ホームページに掲載していますが、何か不測の事態があれば、５０００点が混ざってしまう可能性もあります。そこで制作年代が分かるように画面右下にその年を表す印を押すことを思い立ちました。印は全て手作りで、その年の初めに彫っています。当初は氏名を彫っていましたが、最近はロゴマークのようなデザインになっていて、小さな抽象絵画だと私は認識しています。小さな印材は都心の大手画材店に行かないと売っていないため、以前大量に購入してきました。そろそろ２０２１年の新しい印を彫ろうと思います。今年になって印をまだ押していない作品が２０点以上になってきたので、早めに印を彫り、まとめて押印するつもりです。陶彫による集合彫刻にも大きめな印を彫って押印しているので、印の作品数もかなり多くなっています。自由気儘に彫った印ばかりで、書道家に言わせれば素人の戯れに過ぎませんが、印という小宇宙の展覧会を開いてもいいかなぁとさえ思っています。

「中空の彫刻」（廣田治子著 三元社）の第一部「１９世紀における『画家＝彫刻家』と『芸術家＝職人』の登場」の第１章「画家と彫刻家」の「１概観」と「２絵画と彫刻」についてのまとめを行います。本書は読み始めから興味関心が尽きず、絵画と彫刻のパラゴーネ（比較論争）には私も思うところがあり、読んでいて楽しくなってしまいました。「１概観」から引用いたします。「（２０世紀の）彼らは画家であったがゆえに、彫刻の世界のさまざまな桎梏、すなわちギリシャ彫刻の確固とした伝統に由来する主題や技法上の制約や前提から自由であり、思いのままに大胆に三次元での制作を行うことができた。その結果、彼らの手から革新的な彫刻が生み出されたのである。とはいえ、彼らは決して彫刻の伝統に無頓着であったわけではない。」さらに「このような画家の、あるいは彫刻家の他方の芸術の実践、もしくは互いの関心や闘いは、パラゴーネ論争（諸芸術の優劣比較論争を意味する）が盛んであったイタリアの伝統に連なるものである。レオナルド・ダ・ヴィンチとミケランジェロを代表とする絵画と彫刻をめぐる論争は、ミケランジェロが素描を共通とした姉妹芸術であることを提唱して、幕引きが計られたのであるが、イタリアでは、１７世紀のベルニーニに至るまで、絵画、彫刻、建築などさまざまな芸術を手がける芸術家が多数を占めていた。」ということがあったようです。「２絵画と彫刻」の中では、画家と彫刻家の空間把握に関することが理論家ヒルデブラントによって考察されていました。「動く視線によって得られる視覚『印象』から出発するか、直接的に視覚『表象』から入るかの違いはあるにせよ、彫刻家と画家の空間把握に対する合理的アプローチは同じであり、これがすなわち西洋の古典主義芸術の基本原理として実践されてきたものであった。」その後、ここではミケランジェロ、ロマン主義、オノレ・ドーミエに関する考察があり、「もはや絵画と彫刻のどちらが上位の芸術かという『論争』ではなく、『表現』を共通項とした両者の『連携』へと導かれていたといえるのである。」と結ばれていました。