Yutaka Aihara.com相原裕ウェブギャラリー

「像をうつす」（金井直著 赤々舎）を今日から読み始めます。本書はどこかの美術館のギャラリーショップで購入しました。頁を捲ると彫刻家ブランクーシの作品写真がたくさん出てきて、これはどういう書籍なのか確かめずに手に入れてしまいました。副題に「複製技術時代の彫刻と写真」とあって、彫刻と写真という一般的に考えれば両極にある媒体について考察しているものらしく、それならば私の彫刻も懇意にしているカメラマンに撮影してもらっている経緯もあるので、何か新鮮な論考があるのではないかと期待しています。序論に「彫刻と写真の交差」という小単元があって、面白い文章がありました。「彫刻と写真の類似、類縁として、まず述べておきたいのは、光、そして視点への関心だ。西洋美術史を振り返ると、それらはときに彫刻の弱点と結びつけて語られてきた。たとえば、レオナルド・ダ・ヴィンチ（１４５２－１５１９）は『〔彫刻〕は一定の、すなわち上からの光に左右されるが、〔絵画〕はいたるところに光と影とをたずさえてゆく』がゆえに、『〔絵画〕は〔彫刻〕よりも大きな知的論究を要し、より偉大なる技術乃至驚異に属する』というパラゴーネ（諸芸術比較）をおこなう。その判断の正否はともあれ、絵画であれば徹頭徹尾画家の意にそって固定される光と視点が（ルネサンスにおける陰影法と透視図法の充実）、彫刻家にとっては外的要因に左右される悩みの種であったということには首肯ける。」光や視点のことにある基準を設けて拘れば、絵画の優位性はこの通りだと考えたいところですが、今後主題となる彫刻と写真の類似や類縁をどう扱っていくのか、本書の分析を待ちたいところです。序文の最後にはこんな文章もありました。「彫刻と写真は、その形式・制作・受容すべての面において、特筆すべき共通性や有意の類縁性を示す。かつてロダンは自らの彫刻を撮影させ、その写真上にドローイングを施して制作上の助けとしたが、そこにもまた大芸術家の直観と創意以上の因縁があったわけだ。また、後にジュゼッペ・ペノーネ（１９４７－）が二つのジャンルの境界線を押し開くことで、魅力ある作品を生みだしえたのも、そもそも両者の類縁性の高さがあればこそだったのである。」今回はここまでにします。

「グスタフ・クリムトの世界」（海野弘 解説・監修 パイインターナショナル）のほとんどの内容がクリムトの描く女性で占められています。私にとって苦手な女性表現をクリムトは得意としていて羨ましい限りですが、彼が表現した女性像は一筋縄ではいかない重層な意味合いを持っています。「クリムトの作品の大部分は女性を描いている。彼は〈女性〉に魅せられた。それはどのような〈女性〉であったろうか。それはきわめて官能性の強い女性像であった。そしてクリムトは、２０世紀の初期、１９０８、９年くらいまでの時期に、女性像を黄金の光で包んだ。この黄金の女たちは、クリムトの女性像のピークといえるだろう。しかし、そのまばゆい黄金の光は私たちの目を一瞬くらまし、眼裏に暗い闇をもたらすのだ。クリムトの〈黄金の女〉は二重映像としての〈闇〉をはらんでいる。クリムトの女性像は、黄金と闇の両極の間を揺れ動いているのだ。～略～１９世紀末のアール・ヌーヴォー・スタイルは、光と闇の狭間にゆらめいた。光を散乱させる表面性、平面性にこだわりながら、その彼方に象徴の幻影を映していた。平面と象徴をつなぐのは〈装飾〉である。視覚的な形であるとともに、記号としてその意味を暗示する。クリムトにおいても〈装飾〉は大きな意味を持っている。リアルな、エロティックな女たちは黄金の装飾に包まれて、謎めいた神話的世界へと変身してゆくのだ。エロスと死、娼婦と女神、黄金と闇という女性の二重性にクリムトはとり憑かれた。彼はひたすら〈女性〉という謎を追い求めた。」この時代のウィーンには頽廃的ともとれる雰囲気が漂っていたのかもしれず、私が住んでいた４０年前のウィーンにもクリムトの申し子と呼ぶべきウィーン幻想派の人たちが大きな影響力を持っていました。私は自分が専攻する彫塑でも色香が匂う女性像が作れずに、自分の資質にない世界があまりに遠くて、私自身はそれに憧れることはありませんでした。ただし、クリムトやシーレが纏っていたエロスと死を理解はしていました。自らの死生観を培うことは、限りある命を謳歌することであり、それがエロス、言い換えれば人間の根源にも通じるのだろうと感じていました。

「グスタフ・クリムトの世界」（海野弘 解説・監修 パイインターナショナル）を読んでいると、４０年前の記憶が甦ってきます。私は１９８０年から８５年までウィーンに住んでいました。とくに「世紀末ウィーン夢紀行」で描かれていたウィーン市街の中心部は、自分が通っていた国立美術アカデミーがあったため、その周辺をよく散歩していて、懐かしさが込み上げてきました。「カールスプラッツ駅の前のアカデミー通りを北へ向かうと広い大通りに出る。リングシュトラーセ（環状道路）だ。ウィーン中心部をぐるりとめぐっている。１９世紀後半、この大通りが切り開かれ、そこに世紀末ウィーンがつくられた。はじめは、ルネサンスやバロックなどのスタイルで建設されたが、その最後にウィーン分離派のモダン・スタイル（ユーゲントシュティール）が登場した。カールスプラッツ駅はその象徴なのだ。ウィーンのリンク（輪）をめぐっていくことにしよう。アカデミー通りがリンクに出たあたりは、ケルントナー・リンクといわれる。ここからウィーンの中心にそびえるシュテファン大聖堂（寺院）に向かう、ウィーンの繁華街ケルントナー通りが出ているからだ。ケルントナー・リンクを左へ（時計まわり）進むとウィーン国立歌劇場（国立オペラ座）がある。１８９６年に建てられた新古典主義様式の建築である。ここからオーパン・リンクとなるが、ここでリンクを離れ、南に下るとフリードリヒ通りに入り、やがて黄金の月桂冠のドームが見えてくる。ここでウィーン分離派の殿堂であるゼツェシオン館（分離派会館）である。オットー・ワーグナーの弟子ヨーゼフ・マリア・オルブリヒの建築である。ウィーン分離派が独立した時、分離派のための美術館、いや聖堂としてつくられた。白いキューブ（立体）で構成され、月桂冠の葉をちりばめたドームと蛇の髪をしたメドゥーサらゴルゴン姉妹の装飾を持つゼツェシオン館は、『アジア的野蛮さのシルエット』と酷評された。しかしそれは、ウィーン分離派のアジアとの絆をいい当てていたかもしれない。」文章はまだまだ続きますが、アカデミー周辺の私の散歩道はこんなところでした。ただし、私がいた頃はゼツェシオン館は改装工事中で、帰国間近になって改装が終わりました。ウィーン国立歌劇場には立見席があって、冬の寒さに耐えられなかった私は、部屋の暖房費を節約するため、冬の間中オペラを立ち見で観に行っていました。私はちょっとしたオペラ通になっていて、あの頃は有名な歌手や指揮者も頭に入っていました。

日曜日になると、後輩の彫刻家がやってきて、真摯に制作に立ち向かっているのが恒例となりました。彼がいると、あぁ今日は日曜日なんだなぁと思います。私は先日から作り始めた中規模作品の「発掘～坪庭～」の彫り込み加飾に取り掛かりました。陶彫立方体の彫り込み加飾は、１５１点のひとつひとつ文様を変えて彫り込んでいますが、「発掘～坪庭～」は全ての陶彫部品に同じパターンの文様を施します。集合彫刻の統一感をもたせるためです。成形したものは曲面ばかりの有機的な形態なので、そこに彫り込むカタチも楕円形にすることにしました。楕円形を陶彫全体に線描し、そのうちいくつかを刳り貫きました。刳り貫かず彫り込んだままの楕円形もあって、リズムを感じさせるように工夫しました。穴の刳り貫きは十分考えて行わないと、そこに罅割れが生じることがあります。自分が使っている陶土がどのくらいの耐性があるか、また陶土自身の癖もあるので、それを考慮しながら作業を進めました。陶彫の面白みもそこにあります。高温で焼成すると陶土は石化して、まるで違う物質になります。二割程度収縮するのも特徴です。窯を開けると、炎神のパワーを浴びて陶土が鎧を纏ったように感じるのは私だけでしょうか。成形にしても彫り込み加飾にしても、最終工程の窯入れを念頭に入れて作業を進めています。穴を開けるのは焼成中に空気の通り抜けをよくするためにやっているとも言えます。陶彫作品は内側ががらんどうなので、熱された空気の通り道を作ります。でもその穴が彫刻に面白い効果を齎せます。今日は後輩の彫刻家も自ら作っている木彫に穴を開け始めました。穴は彫刻の内と外を繋ぐ空間としては重要な役目があります。意図的に彫刻に穴を開け始めたのはイギリス人彫刻家ヘンリー・ムアでしたが、彼が試みたことは空間造形としては革新的なことでした。陶彫は意図しなくても穴を開けることが不可欠ですが、これを彫刻的な革新性と捉えても構わないと私は思っています。彫り込み加飾はそうしたことも踏まえて、陶彫の不可欠さ、彫刻の空間の在り方の双方から捉えてやっていると考えています。

週末になりました。陶彫作品完成へのタイムリミットが近づいたせいか、時間が経つのが早く感じます。光陰矢の如しというべきか、軽い強迫観念があります。今週は日々時間を惜しむように工房に籠っていました。１５１点の陶彫立方体の成形と彫り込み加飾が終わり、乾燥を待っている最中ですが、既に乾燥した作品の仕上げと化粧掛けをして、週の中頃に窯入れもしています。今週は新たに中規模作品の成形を行いました。彫り込み加飾はこれからやりますが、全部で４点の陶彫部品で構成される集合彫刻です。中規模作品「発掘～坪庭～」は昨年まで作っていた作品の制作方法に戻ったような塩梅でやっています。「発掘～坪庭～」は陶彫部品を２点ずつ繋いで、２つの山を作り、周囲を玉砂利で埋めていく景観になります。作品に玉砂利を使うのは初めてです。今年発表する陶彫作品はひとつずつの作品に重量感はありませんが、考え方としては自分なりに新しいものに挑戦していて、陶彫立方体の全体図はその場で決めていく方法を取り、「発掘～坪庭～」は新素材である玉砂利を利用します。そんな立体作品群のイメージが出来上がりつつありますが、今年の個展では平面ＲＥＣＯＲＤも併せて展示いたします。平面の展示も初めてで、これがどうなることやら、自分でもよく分かっていません。そのために陶彫立方体と連動した平面ＲＥＣＯＲＤを毎晩作っていました。これは今週に限ったことではありませんが、夜はＲＥＣＯＲＤ制作に精を出していました。また今週は気温の上下が激しく、身体がおかしくなりそうでしたが、それも陶彫制作の意欲で吹っ切っていました。