Yutaka Aihara.com相原裕ウェブギャラリー

「なぜ脳はアートがわかるのか」（エリック・Ｒ・カンデル著 高橋洋訳 青土社）の「第２章 アートの知覚に対する科学的アプローチ」をまとめます。冒頭に「創造的で主観的な経験たるアートを対象に、いかなる側面であれ客観的に研究することができるのか？」という問いかけがありました。鑑賞者の関与として「いかなるものであれ強力なイメージは、アーティストの経験や葛藤から生じるがゆえにあいまいなものにならざるをえない。鑑賞者はこのあいまいさに対して、自分自身の経験と葛藤を介して反応し、アーティストによるイメージ形成の経験を控えめに追体験するのだ。アーティストにとっては、創造のプロセスは解釈的なものでもあり、また鑑賞者にとっては、解釈のプロセスは創造的なものでもある。鑑賞者の貢献度はイメージのあいまいさの度合いに左右されるので、具象芸術に比べて抽象芸術は、識別可能なフォルムを参照できないこともあり、鑑賞者の想像力により大きな負担をかける。まさにこの負担が、抽象芸術を人によっては理解困難なものにし、自己を拡大し超越する経験をそこに見出せる鑑賞者には価値のあるものにしているのだろう。」とありました。次に逆光学問題として捉えられている網膜に投影されたイメージについて述べています。そこで「私たちの脳は、両目に投影された外界の不完全な情報を受け取り、完全なものにする」という原理を理解するようです。ここで２つの概念が登場します。それは「ボトムアップ情報」と「トップダウン情報」です。まず、「『ボトムアップ情報』は、脳の神経回路に生得的に備わっている計算プロセスによって提供される。この計算プロセスは、生物学的進化のおかげで、おもに誕生時に脳に組み込まれる普遍的な規則に支配されている。それによって私たちは、輪郭、線の交差や接合など、物理世界のイメージの主たる構成要素を引き出すことができるのだ。」とありました。さらに「『トップダウン情報』は、認知的影響や、注意、想像、期待、学習された視覚的関連づけなどといった高次の心的機能に関連する。感覚器官から受け取った混乱した情報のすべてを解明することは、ボトムアップ処理には土台不可能なので、脳は、残存するあいまいさを縮減するためにトップダウン処理を動員しなければならない。つまり私たちは、自分の経験に基づいて眼前のイメージの意味を推測しなければならないのだ。」とありました。つまり「知覚は、脳が外界から受け取った情報と、過去の経験や仮説の検証による学習に基づいて得られた知識を統合する。」ことになるわけです。芸術をこのような視点から述べられている本書に、私は新鮮な驚きを隠せません。さらに次章では詳しい論考があるようで、楽しみになってきました。

一日１点ずつ小さな平面作品を作っているＲＥＣＯＲＤ。今月のテーマを「存在を問う」にしました。存在という言葉を意識し始めたのは、彫刻に起因しています。自分が作っているモノが立体物であり、それが目の前に存在していることを改めて考え直した結果です。世の中にはあらゆるものが存在していて、私は存在物に取り囲まれて生活をしています。手で触れることが可能なあらゆる物質は、それぞれ役割があって、私は当然のように日々それらを使用しています。使用する際に役割のないモノ、それが私の作る彫刻ですが、精神的に訴える何かが秘められていて、そこに存在しているだけで十分に力を発揮していると私は信じたいのです。それに意味があるのかどうかは見る人の勝手ですが、必要のないモノとして扱われることも私は承知しています。それでも存在している彫刻。そもそも存在とは何か、存在に意味が必要なのかどうか、存在の意味を問うために私は哲学書を紐解いたこともありました。ショーペンハウアーの「意志と表象としての世界」、ハイデガーの「存在と時間」、フッサールの現象学に関わる書籍は、嘗てこのＮＯＴＥ（ブログ）にも取り上げた生命と存在に関わる論考でした。自分なりに存在そのものの問いかけを課したのでしたが、結果として自分なりの存在の意味を簡単に論理づけることは出来ないことは理解できました。今月のテーマを「存在を問う」とするのは些か荷が重いかなぁと考えつつ、視覚を通じて存在を表現することを、たとえ覚束ない思索であろうともやってみようと思ったのでした。存在に関しては私の主流となっている彫刻表現にも通じるものがあり、私は造形美術の門を叩いてから、ずっと存在について考えてきたと言っても過言ではありません。今月もＲＥＣＯＲＤを頑張っていこうと思っています。

「なぜ脳はアートがわかるのか」（エリック・Ｒ・カンデル著 高橋洋訳 青土社）の「第１章 ニューヨーク派の誕生」をまとめます。本書は脳科学者の著した書籍ですが、第１章では現代美術がヨーロッパからアメリカに中心を移した経緯が書かれていました。ヨーロッパの戦禍を逃れてきた革新的な芸術家がアメリカで抽象表現主義を生み、前衛的な芸術家の流派としてニューヨーク派が誕生しました。「物体やイメージを、その豊かさをまるごととらえて描くのではなく、解体して、その一つ、もしくはせいぜい二、三の構成要素に焦点を絞り、新たな方法でそれらのコンポーネントを探究することで豊かさを見出そうとするようになったのである。」それを広報したのは３人の美術評論家でした。「モダニスト運動の影響は、ハロルド・ローゼンバーグやクレメント・グリーンバーグらの美術評論家が、その当時ニューヨークで活躍していたことで強められた。」それにコロンビア大学のマイヤー・シャピロを加えた３人がアメリカ絵画を海外向けに大々的に擁護したのでした。また、アメリカ政府の支援もありました。「人々が不況にあえいでいた当時、アメリカ政府は公的プロジェクトにアーティストを動員する連邦美術計画を実施し、多数のアーティストたちを支援したのだ。その結果、彼らは生涯を通じて広く交流し影響を及ぼし合うようになったのである。彼らが築いたネットワークは、科学者による対話的で生産的なネットワークに非常によく似ていた。」本書はまずアメリカによる現代美術隆盛の事情を説明しています。脳科学に入る前段階として、アメリカで興った多様な美術表現に触れることを解説したのは、本書の読者が科学者ばかりでなく、私のようにアートの世界から論考に触れていくことに配慮した結果かも知れず、いきなり科学的な難題を突きつけられることもなく、事情が分かっている現代美術としての価値転換をまず最初に持ってきたのだろうと思います。次の章ではアートの知覚に対する科学的アプローチが論じられているので、ここからが本題と思っています。次が楽しみです。

日曜日になり、いつも来ている美大受験生と共に工房で制作に励みました。陶彫成形がひとつ立ち上がる度、私はちょっとした感動を味わっていて、また陶彫部品が窯から焼成されて出てくる度に、自分の中から現れ出た不思議な生物的なモノの生誕を祝ったりしています。彫刻は絵画と違い、空間造形なのでリアルな世界に産み落とされた物体として認識でき、触感をもってそこに存在しているものです。私は幾度となくＮＯＴＥに書いていますが、彫刻は物体が有する空間を表現するもので、物体そのものは空間を演出するための装置でしかありません。人類が空間造形としての最初に認識したのは、大地に巨石を配置し、また石を積み上げたことではなかったかと私は考えています。岩山に洞窟を掘ったり、地下を掘ったりすることも空間造形の第一歩だろうと思います。私は大地に石材や木材で立ち上げたものをプラスの空間造形、洞窟や地下壕はマイナスの空間造形と位置づけていて、大地を座標軸にした空間の在り方を示すものです。それが芸術かというと、芸術の意識が芽生えたのは近代になってからのことなので、人類の長い歴史の中で、芸術品としての認識は最近のことと言わねばなりません。私は現代に生きる人間として、芸術行為としての空間を造形しています。私が思考するのは、古代遺跡の発掘現場にいるような架空の空間認識による彫刻で、出土され、空気に触れている部分がプラスの空間造形で、大地に埋蔵されている部分はマイナスの空間造形です。大地に埋蔵された部分は想像で補ってもらい、大地から生えてきた根っこのような造形を創作しているのです。現行の作品は陶彫部品の組み合わせによる複数の「島」を作ろうとしています。「島」と「島」を繋ぐ空間は木材を用います。ちょうど日本古来からある庭園から発想したもので、大海に点在する石組を陶彫部品で形成し、大海を象徴する砂利を厚板材を加工して表現しようと思っているのです。そんなことを考えながら今日は陶彫制作を進めていました。朝９時から夕方４時までの７時間を工房で過ごしました。秋になり、空気が爽やかさを増してきたので工房に留まる時間が長くなりました。夕方は美大受験生を家まで車で送り届けました。

週末のＮＯＴＥ（ブログ）には新作の制作状況を書いています。今日は台風一過で真夏のような暑さになりましたが、やや空気が乾燥していて制作のやり易い一日でした。今月は基本的には陶彫制作に明け暮れる予定です。現在は４つ目の「島」に取り掛かっています。「島」と名付けているのは陶彫部品数点でひとまとめにしている構成のことで、４つ目の「島」は陶彫部品８点でまとめようと思っています。この４つ目の「島」が完成したところで、全体を見ていこうと思っています。陶彫制作には、何度もＮＯＴＥ（ブログ）に書いていますが、土練り、タタラ作り、成形、彫り込み加飾、乾燥、仕上げと化粧掛け、焼成という制作工程があり、複数の作品を順番をずらして制作しているのです。これを制作サイクルと私は称していて、毎日休むことなく工房で過ごしています。１点集中して作っているわけではなく、同時に複数の部品に取り掛かっているため、どこかで区切りをつけなければ、全体を見渡す時間が確保できないのです。工房を休んで美術館等に出かける時も、どこで区切りをつけようか思案しています。一番休めるのは乾燥棚に作品を上げた時と、焼成している時です。土練り、タタラ作り、成形、彫り込み加飾は、時間が経過すると陶土が硬くなって作業がやり難くなってしまうのです。逆に乾燥は充分に水気を取っておかないと、焼成中に窯内で割れます。乾燥は数週間放置することもあり、乾燥場所に作品が大量に溜まってしまうことはよくあります。１０月最初の週末ですが、現在のところは制作サイクルを回すことに専念していて、乾燥した作品を増やすことにしています。今日は朝９時から夕方３時まで作業をやっていました。ウィークディは午前中、週末は丸一日作業をやるのが定番になっています。