Yutaka Aihara.com相原裕ウェブギャラリー

昨日、東京立川にあるＰＬＡＹ！ＭＵＳＥＵＭで開催中の「柚木沙弥郎life・ＬＩＦＥ」展に行って来て、本職の染色作品の他に、作家が集めた各国の民藝品が同じ空間に展示してあり、興味関心を持ちました。作家が収集する民藝品には、創作の源になっているモノがあり、造形した作品よりも作家らしい雰囲気が窺い知れるコレクションがあると言っても過言ではありません。染色家柚木沙弥郎氏のアトリエがテレビで撮影されたときに、各国で収集した民藝品や玩具が所狭しと置いてあって、その雑然とした部屋のなかで作家が渋紙から型紙を作っている場面が映し出されていました。とくにメキシコの玩具のデザインに作家が惹かれているようで、その収集の楽しさが伝わりました。それは形のみならず色彩にも独特な感性があって、玩具を見ているだけで創作意欲が湧くものかもしれません。私もそうした収集癖が理解できます。私はヨーロッパにいたときにルーマニア正教の聖像画やトルコの平織り絨毯に興味が湧き、貯めたお金を全部つぎ込んで購入した記憶が甦ります。イタリアのベニスでは陶製の仮面を購入してきました。帰国後に社会人になった私は、アフリカの仮面に惹かれて、時折民藝店を巡ってはそのコレクションを始めています。東南アジアに旅行したときにもインドネシアやタイで仮面を手に入れてきました。仮面は精霊なのか悪魔なのか魑魅魍魎か、人間ではない奇怪な生命を持ったものだろうと思います。その始原的な造形には民族的な逞しさを感じています。作家が収集するモノは、自らの創作意欲を高めてくれるモノであり、自らの世界観に近いモノなのかもしれません。非日常に浸っているからこそ興味関心があるのです。「柚木沙弥郎life・ＬＩＦＥ」展では、作品の他に面白いモノを発見して、とても楽しくなりました。

今日は工房での作業を休んで、東京立川で開催されている「柚木沙弥郎life・ＬＩＦＥ」展に行ってきました。美術館は立川駅周辺に２０２０年６月にオープンした「ＰＬＡＹ！ＭＵＳＥＵＭ」で、子どもの遊び場と一緒になったような新しい感覚の複合施設でした。そうした雰囲気に染色家柚木沙弥郎の作品群はよく合っていて、楽しさに溢れていました。私は新聞記事で本展を知り、家内を誘って自家用車で立川に向いました。染色家柚木沙弥郎の作品は２０１８年に私は日本民藝館で見て、その自由闊達なデザインに魅了されました。作家は現在９９歳で、もうすぐ１００歳を迎えます。私が羨ましく感じているのはその年齢で、創作活動に携わってこられた長い経歴にあります。しかも年齢を感じさせない溌溂として大胆な染色の世界は、どうして培われたのか、図録のインタビュー記事で知ることが出来ました。聞き手はキュレイターの林綾野氏です。「ぼくの作品は、アートでもなければ、工芸品というわけでもなくて、その間にあるようなもの。元々は生活の中にあるものなんです。暮らし（life）と繋がっているものだと思いますよ。～略～自分が何かしたかったというものがあれば、それを果たすべく努力をするわけだから、そういう人生（ＬＩＦＥ）であって欲しいと思いますね。」作家にとって美とは何か、そんな質問もありました。「ぼくは模様が『美』だと思いますね。自然はそのままだと荒々しいけど、人間が手を加えて整えるととても美しくもなる。人がものの本質、そのいきいきとした部分を掴んで、表すのが模様だと思います。そういう意味ではとても抽象的で、なんというかとても本質的なものです。でも、それを生み出すのは簡単なことではありません。毎日、毎日考えて、何日かして朝７時くらい、目が覚める頃に大抵ふっと浮かんできたりしますね。」今という時代についても作家はこんな主張をしています。「戦後７０年以上の歳月が経って、毎日の暮らしには自由がある。この自由を手放してはいけないという覚悟を持って欲しいと思います。ワクワクしたり、自分のやってみたいことをやるには、社会全体が自由であることが基本です。戦争が起こればそれはなくなります。自由の大切さを自分たち一人一人が認識して、決して手放さない、そういうことを自覚して欲しいなと思います。」

先日、東京竹橋にある東京国立近代美術館で開催されている「民藝の１００年」展に行ってきました。私が民藝運動を知ったのは２０代の頃で、棟方志功の板画や濱田庄司の陶芸に興味を持ったのが始まりでした。その後、京都の河井寛次郎の陶芸や静岡の芹沢銈介の染色を知り、提唱者である柳宗悦を知ったのはさらにその後となってしまいました。今も東京駒場の日本民藝館には度々訪れて、建物の造りと展示の面白さを堪能しています。地方に伝わる工芸品の数々には斬新なデザインがあって、その美観に心が打たれることがありました。今回は美術館でのまとまった展示が企画されて、その空間で見る民藝はどんな感じになるのだろうと思っていました。どこで見ても意匠の楽しさは変わらず、改めて収集された工芸品の魅力に魅了されました。図録から気になった文章を引用いたします。「民藝運動とは、つまり近代という社会的・文化的な文脈の中で、その経糸・緯糸が紡がれ、形づくられた織物なのである。しかし振り返れば、これまで民藝に関わる美術館での展覧会は、柳宗悦という個人の『眼』や『思想』を中心に語られ、構成されてきたものがほとんどであったといえるだろう。」柳は工芸の性格上、官設の近代美術館での展示には向かないと思っていたようでした。「『東京』『国立』『近代』『美術』館は、柳が目指すものの反語として、名指しされているのだ。そうであるならば、このたびの展覧会で『近代』美術館ができることは、『近代』の景色のなかに『民藝樹』がどのように生長したのかを立ち上がらせることではないだろうか。」また日本の民藝がヨーロッパの民藝との共通した美観を持っていたことの発見もありました。「反復と労働の導き（『他力』）によって、恩寵のように美がもたらされると柳は考え、中世ギルドの世界をひとつの理想として掲げていた。土着的でありながら普遍的なもの、という考えは柳とタウト（ブルーノ）の間の偶然の相似のように、この時期に共有されたアイデアでもあったのである。～略～ひとつとして同じものはないが、全体として近似した韻律があり、その土地固有でありながら、普遍的なものに出会うたび、彼らはその『神秘』に異様な興奮を覚えている。個人作家の新作のスリップウェアと地方窯の雑器が並び立つ空間は、彼らが初めて提示した理想のモデル・ルームであった。」（引用は全て花井久穂著）

１月１４日付の朝日新聞「折々のことば」に掲載されていた記事を紹介します。「絵画で語りうることはすべて絵画で語る方がいい。-アルベルト・ジャコメッティ-　同じように、彫刻でしか語れないものが真の彫刻だと美術家は言う。問題はそれぞれの流儀でしか語れないものを知ること、制作から余分なものを削ぎ落とすこと。世界には、聴き取られるべき無数の音色がある。人はそれを聴き、語る仕方を違えもするので、精髄だけを取り出すにも無限の努力が要る。『ジャコメッティ 私の現実』（矢内原伊作・宇佐見栄治編訳）から。」（鷲田清一著）これを読んだときに私は、あまりにも単刀直入で端的な言い回しに、目から鱗が落ちました。彫刻家で画家のアルベルト・ジャコメッティは極端に細くなった人物像で知られた芸術家です。これは作家が意図したものではなく、観察を繰り返していくうちに人物像は次第に細くなっていったようです。余分なものを削ぎ落とす、これはどういう意味でしょうか。精髄だけを取り出す、これもどういう意味でしょうか。私は日々陶彫を作っていますが、陶彫でしか語れないことがあることは実感として分かっています。他の表現分野でそれを語ることはできません。陶彫だからこそ伝えられるものがあり、陶彫でなければ出来ないからこそ、陶彫技法を得て作品を作っているのです。作品には主張する全てのことがあって、それ以上でもなければそれ以下でもないと私も思います。ジャコメッティが観察を通して立体を捉えようと奮闘していたことは、そのモデルを務めていた矢内原伊作の著作から知っていましたが、モノの成り立ち、その精髄を突き止めるために描写し、塑造し、見つめ続けたことにジャコメッティは己の生涯をかけていました。その生きざまに私たちは創作意欲を搔き立てられてしまうことも事実です。

私は毎年、美術系の大学の卒業制作展にお邪魔しています。工房に美大受験生が来ていて、彼らを連れて行くのが目的ですが、私自身も自分を見つめる契機として卒業制作展散策を考えているのです。昨年は多摩美術大学へ行き、今年は母校の武蔵野美術大学へ行ってきました。美術系の大学の中でも彫刻を専攻するのは余程特別ではないかと自らのことをそう私は考えていて、さらに彫刻を生涯の目標にするのも普通に生きていくとすれば、かなり摩擦の大きいことではないかと思っています。彫刻は好きだけど、それはあくまでも大学の中でのことで、卒業したら別の世界で生きていくと考える卒業生が多いのは事実だからです。卒業制作展は学部４年間ないしは大学院６年間の集大成で、力の篭った作品が多く、見応えも充分ありました。自分自身の若かりし頃の卒業制作が恥ずかしくなるほど、現代の卒業生の作品は表現力に溢れていました。現在は情報過多と思えるほど、さまざまな空間解釈が可能で、また使用する素材も豊富です。今自分が学生だったら、どんな作品を作っているだろうと想像してしまいます。私たちの頃は具象彫刻なら石膏による人体塑造、実材を扱うなら抽象もありうるという程度の分類で、展覧会場全体を空間として捉え、複数のオブジェを配置する考えはなかったのでした。そうした中で今年の傾向はインスタレーションの減少と、従来からある表現行為の復権があるように思えました。絵画らしい、または彫刻らしい作品が目立っていました。デザイン領域では心理的なテーマ設定をして、気持ちを具現化して視覚伝達する方法に着目しました。ＳＤＧｓ（持続可能な開発目標）１７の目標を基盤とする社会に即応したデザインを取り入れている学生作品もありました。社会が求めるものに応じること、これがデザインの出発点にあります。学生がまだ充分に育っていない部分もありながら、作品に籠めた思いは伝わりました。充実した一日を過ごしました。